چگونه نقاشی های هنرمندان مشهور بخشی از مد شد و سبک جدیدی از قرن بیستم را شکل داد

2024 نویسنده: Richard Flannagan | [email protected]. آخرین اصلاح شده: 2023-12-16 00:04

پیوندهای بین هنر و مد ، لحظات خاصی از تاریخ را مشخص می کند. هر دوی این رسانه ها منعکس کننده تغییرات اجتماعی ، اقتصادی و سیاسی از بیست سالگی خروشان تا دهه هشتاد پر جنب و جوش هستند. در اینجا چهار نمونه از هنرمندان و طراحان مد وجود دارد که با کار خود به شکل گیری دیدگاه جدیدی در زمینه هنر و مد قرن بیستم کمک کردند.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

دوستی بین روی هالستون و اندی وارهول دنیای هنری را مشخص کرد. روی و اندی هر دو رهبرانی بودند که راه را برای تبدیل شدن هنرمند / طراح به شهرت هموار کردند. آنها انگ ناهموار دنیای هنر را برطرف کردند و مد و استایل را برای توده ها به ارمغان آوردند. وارهول چندین بار از چاپ روی صفحه ابریشم برای ایجاد تصاویر استفاده کرد. اگرچه او مطمئناً این فرآیند را اختراع نکرد ، اما ایده تولید انبوه را متحول کرد.

روی از پارچه ها و الگوهایی استفاده کرد که ساده و شیک و در عین حال پر زرق و برق با استفاده از پولک ، اولتراس و ابریشم بود. او یکی از اولین کسانی بود که مد آمریکایی را در دسترس و مطلوب قرار داد. هر دو اثر نهایی خود را در هنر و سبک در دهه های 1960 ، 70 و 80 برجای گذاشتند که تا به امروز ادامه دارد.

روی و اندی هر دو با هم در پروژه های مختلف کار کرده اند. وارهول کمپین های تبلیغاتی ایجاد کرد که شامل لباس های هالستون و حتی خود هالستون بود. به نوبه خود ، هالستون از چاپ گل وارهول در برخی از مجموعه های لباس خود ، از لباس شب تا ستهای تفریحی استفاده کرد.

روی از الگوهای ساده ای در لباس های خود استفاده کرد که باعث موفقیت بسیار آنها شد. پوشیدن آنها راحت بود ، اما به لطف پارچه ها ، رنگ ها و چاپ ، جلوه ای لوکس نیز داشت. وارهول همچنین مواد و روند کار خود را ساده کرد. این امر باعث سهولت در تکثیر آثار وی و فروش بیشتر آنها شد.

موفقیت تجاری برای هر دو هنرمند چالش های خاص خود را داشته است. هالستون اولین کسی بود که در سال 1982 با زنجیره خرده فروشی JCPenney همکاری کرد و این بر کیفیت نام تجاری وی تأثیر گذاشت. وارهول نیز با انتقاد روبرو شد ، زیرا کارهای او سطحی تلقی می شد. با این حال ، هر دو استفاده خرده فروشی و بازاریابی خود را در فضاهای مربوطه برای ایجاد مارک هایی برای فروش انبوه در بازار مدرن کرده اند.

روی و اندی از بازدیدکنندگان مکرر استودیو 54 بودند. آنها مهمانی هایی برگزار کردند ، برای افراد مشهوری مانند لیزا مینلی ، بیانکا جگر و الیزابت تیلور آثاری طراحی و تولید کردند. همه اینها در آثار آنها منعکس شده است زیرا آنها از دوران دیسکو در دهه 1970 الهام گرفته و تعریف کردند.

هالستون به خاطر ایجاد لباس شب براق مشهور بود. روی ، پولک ها را به صورت افقی روی پارچه چسبانده و جلوه ای درخشان از موادی که برای خلق لباس های مجلل مورد علاقه بسیاری از خانم های پر زرق و برق ایجاد کرده است ، ایجاد کرده است.

سری کفش های گرد و غبار الماس Warhol همچنین زندگی شبانه استودیو 54 و مشاهیر ساکن در آنجا را نشان می دهد. گرد و غبار الماس همان چیزی است که او روی استنسیل یا نقاشی استفاده کرد و عنصر عمق بیشتری برای قطعه ایجاد کرد. و کفش های او در اصل ایده کمپین تبلیغاتی هالستون بود. در هر صورت ، این دو سهم بزرگی در مد داشتند و اثری پاک نشدنی را پشت سر گذاشتند. در واقع ، حتی امروزه ، بسیاری از طراحان مدرن از ایده های اندی و روی الهام گرفته اند و مجموعه های باشکوهی را با پژواک گذشته ایجاد کرده اند.

2. سونیا دلونای: وقتی هنر مد می شود

سونیا دلونی نه تنها شکل جدیدی از کوبیسم را متحول کرد ، بلکه ارتباط بین هنر و مد را نیز معرفی کرد.هم دلونای و هم همسرش پیشگامان Orphism بودند و انواع مختلف انتزاع را در هنر آزمایش کردند. او اولین فرد در نوع خود بود که از سبک هنری خود استفاده کرد و با استفاده از طرح ها ، چاپها یا الگوهای اصلی نساجی به دنیای مد رفت. او بیشتر به خاطر هنر و ارتباطش با همسرش به خاطر مد و لباسش به خاطر می آید. سبک او نقش اصلی را در دهه 1920 ایفا کرد و فهرست پوشاک او بیشتر به خاطر عکس ها و ارجاعات به هنر او به خاطر لباس ها به یاد می آید. برای سونیا ، هیچ مرزی بین هنر و مد وجود نداشت و نیست. برای او ، آنها یکسان هستند.

او تجارت مد خود را در دهه 1920 آغاز کرد و لباس هایی را برای مشتریان ایجاد کرد و پارچه هایی را برای تولید کنندگان طراحی کرد. سونیا برچسب خود را همزمان نامید و با استفاده از رنگ و الگو در موضوعات مختلف حتی فراتر رفت. همزمانی نقش مهمی در کار او بازی می کرد و تکنیک غیر معمول او یادآور لحاف یا پارچه های وصله ای از اروپای شرقی بود: رنگها روی یکدیگر چیده شده و از الگوها برای ایجاد هماهنگی و ریتم استفاده می شد. موضوعات متداول او شامل مربع / مستطیل ، مثلث و خطوط یا کره های مورب است - همه آنها در طرح های مختلف او همپوشانی دارند.

دلونای در دوران ادواردیان ، زمانی که کرست و مطابقت یک هنجار بود ، زن جوانی بود. این امر در دهه 1920 تغییر کرد وقتی زنان شروع به پوشیدن دامن بالای زانو و لباس های گشاد و متناسب کردند. این جنبه را می توان در طرح های دلون مشاهده کرد و او علاقه زیادی به ایجاد لباس هایی داشت که متناسب با نیازهای زنان باشد. سونیا لباس شنا تولید کرد که به زنان اجازه می داد حتی در هنگام ورزش و شنا احساس راحتی بیشتری داشته باشند. او آثار خود را روی مانتو ، کفش ، کلاه و حتی اتومبیل گذاشت و از هر سطحی به عنوان بوم استفاده کرد. طرح های او آزادی حرکت و بیان را از طریق رنگ و شکل ایجاد می کند.

در طول دوران حرفه ای خود ، او دائماً خود را در چیز جدیدی امتحان کرد و در نتیجه به سینما و تئاتر رفت. سونیا لباس های فیلم پاریسی کوچک رنه لو سامپتیه را طراحی کرد ، در حالی که شوهرش صحنه فیلم را بر عهده داشت. او عاشق اشکال هندسی بود ، آنها را به طرز ماهرانه ای ترکیب و مخلوط می کرد و الگوهای عجیب و غریب و خطوط شکسته ای را ایجاد می کرد که به ویژگی بارز او تبدیل شده بود.

3. همکاری بین السا اسکیاپرلی و سالوادور دالی

آوانگارد هنر سوررئال با رهبر مد سورئال ترکیب شده است. سالوادور دالی و طراح مد السا اسکیاپارلی در طول زندگی حرفه ای خود همکاری کرده و از یکدیگر الهام گرفته اند. آنها ظاهر نمادینی مانند لباس خرچنگ ، کلاه کفش و لباس اشک آور ایجاد کردند که تماشاگران را در هنر و مد شوکه کرد و الهام بخشید. دالی و اسکیاپارلی راه را برای همکاری های آینده بین طراحان مد و هنرمندان هموار کردند و شکاف بین آنچه هنر پوشیدنی و مد محسوب می شود را برطرف کردند. دالی از خرچنگ ها به عنوان یک موضوع تکراری در کارهای خود استفاده می کرد و به آناتومی آنها علاقه مند بود.

لباس "عمر" یک کار مشترک السا و دالی است و ایجاد آنها نه تنها در روز اولین نمایش ، بلکه پس از آن جنجال زیادی ایجاد کرد. اول ، دارای یک نیم تنه شفاف و دامن سفید ارگانزا است. این لباس غیرمعمول به معنای واقعی کلمه دنیای مد را منفجر کرد و باعث اختلاف نظرهای زیادی در این زمینه شد. استفاده از پارچه سفید نیز با رنگ قرمز خرچنگ در تضاد است. رنگ سفید را می توان باکره دانست یا نماد خلوص در مقایسه با قرمز است ، که می تواند به معنای آرامش ، قدرت یا خطر باشد.

اسکلت ها یکی دیگر از موضوعاتی است که در هنر سورئال یافت می شود و در همکاری های بیشتر بین دالی و اسکیاپرلی استفاده شده است. لباس اسکلت اولین در نوع خود بود. السا از تکنیکی به نام trapunto استفاده کرد ، که در آن دو لایه پارچه به هم دوخته می شوند و یک طرح کلی در جایی که ضربه زدن در آن وارد می شود ایجاد می کند ، در نتیجه جلوه ای برجسته ایجاد می کند.این تکنیک سطحی با بافت روی پارچه ای صاف ایجاد می کند و این توهم را ایجاد می کند که استخوان های انسان از داخل لباس بیرون زده است. این باعث رسوایی شد زیرا این لباس از یک ماده الاستیک ساخته شده بود که به پوست چسبیده بود. تخیلات نقاشی ها و نقاشی های دالی در دنیای غیرواقعی لباس اسکیاپارلی تجسم یافته بود ، که تا به امروز هم برای تماشاگران و هم برای طراحان تأثیر غیرقابل تصور می گذارد.

4. ایو سنت لوران: برخورد هنر و الهام

مرز بین تقلید و قدردانی کجاست؟ منتقدان ، مخاطبان ، هنرمندان و طراحان تلاش کرده اند تعیین کنند که این خط کجا اجرا می شود. با این حال ، وقتی صحبت از ایو سنت لوران به میان آمد ، مقاصد او چیزی بیش از تملق و تحسین هنرمندان و نقاشی هایی که او به عنوان الهام از آنها استفاده می کرد نبود. با نگاهی به مجموعه گسترده خود ، سنت لوران از فرهنگ ها و هنرهای مختلف جهان الهام گرفت ، که آنها را با موفقیت در لباس خود قرار داد.

اگرچه ایو هرگز هنرمندانی را که از او الهام گرفته بودند ملاقات نکرد ، اما این امر مانع از ایجاد آثار هنری به عنوان احترام به آنها نشد. لوران از هنرمندانی مانند ماتیس ، موندریان ، ون گوگ ، ژرژ براک و پیکاسو الهام گرفت. او یک گردآورنده آثار هنری بود و نقاشی های پیکاسو و ماتیس را جمع آوری کرد که آنها را در خانه خود آویزان کرد.

ایو برخی از نقوش هنری را برداشته و آنها را به لباس های خیره کننده تبدیل کرده است که به هنرمندان مورد علاقه او ادای احترام می کند. دهه 1960 دوران انقلاب و تجاری سازی بود ، دوره جدیدی از مد و هنر. پروژه های سنت لوران هنگامی که شروع به الهام گرفتن از هنر پاپ و انتزاع کرد ، موفقیت تجاری کسب کرد. در سال 1965 ، او بیست و شش لباس با الهام از نقاشی های انتزاعی توسط پیت موندریان خلق کرد. این لباس ها تجسم استفاده موندریان از اشکال ساده و رنگ های اصلی پررنگ است. ایو از تکنیکی استفاده کرد که در آن هیچ درز بین لایه های پارچه قابل مشاهده نبود ، که این احساس را به وجود می آورد که لباس ها یک تکه کامل هستند. سنت لوران هنر موندریان را از دهه 1920 گرفت و نسبت به دهه 1960 آن را پوشیدنی کرد.

لباس های مد نمونه های کلاسیک سبک دهه 1960 هستند. آنها شبیه لباس های دهه 1920 بودند که محدودیت بیشتری نداشت و دارای آستین و نیم خطی بود که لکه های بزرگی از پوست را نمایان می کرد. شبح های مربع سنت لوران به زنان احساس سبکی و آزادی می داد. این امر همچنین او را به الهام از هنرمندان هنر پاپ مانند تام وسلمن و اندی وارهول سوق داد. او مجموعه ای از طرح های الهام گرفته از هنر پاپ را ایجاد کرد که دارای سایه و برش روی لباس او بود. این در مورد غلبه بر محدودیت های انتزاعی در هنر و تجاری سازی طراحی بود. لورن این دو ایده را کنار هم آورد تا لباس هایی را برای خانم ها آزاد و جذاب برای خانم های مدرن ایجاد کند.

کت های وینسنت ون گوگ سنت لوران نمونه ای از این است که چگونه ایو الهام هنرمند را با استعدادهای طراحی خود ترکیب کرده است. مانند سایر لباسهای او ، موضوعات مربوط به هنرمند کپی نشده و بر روی لباسهای سن لوران چسبانده نشده است. در عوض ، او تصمیم گرفت از آنها به عنوان منبع الهام استفاده کند و قطعاتی را منعکس کند که سبک خاص او را نشان می دهد. کاپشن نمونه ای از سبک دهه 80 است که با سبک آفتابگردان به سبک چشم نواز ون گوگ گلدوزی شده است.

لورن با Maison Lesage ، یکی از رهبران گلدوزی بلند مد همکاری کرده است. ژاکت "آفتابگردان" با مهره های لوله ای گلدوزی شده است. گلها با سایه های مختلف جرقه های نارنجی و زرد پر شده اند. این یک بافت چند بعدی شبیه به تکنیک ون گوگ برای اعمال رنگ ضخیم روی بوم ایجاد می کند. تخمین زده می شود که این یکی از گران ترین اقلام زیبایی باشد که تا کنون در کریستیز نزدیک به چهارصد هزار یورو به فروش رسیده است. سنت لوران راه را برای پوشیدن لباس به عنوان یک اثر هنری به خودی خود ، صرف نظر از مد و دوره زمانی ، هموار کرد.

در ادامه موضوع ، در مورد آن نیز بخوانید آنچه باعث شد ساکو یاماگوچی به موفقیت برسد و او را به یکی از محبوب ترین موزهای کنزو و یاماموتو تبدیل کرد.