9 شاهکار هنرمندان درخشان که الهام بخش طراحان مد بزرگ و ایجاد مجموعه های منحصر به فرد بودند

2024 نویسنده: Richard Flannagan | [email protected]. آخرین اصلاح شده: 2023-12-16 00:04

در طول تاریخ ، مد و هنر دست به دست هم داده اند تا ترکیبی عالی ایجاد کنند. بسیاری از طراحان مد از مجموعه های خود ایده هایی از جنبش های هنری گرفته اند ، که به مد اجازه می دهد تا به عنوان یک شکل هنری که عمدتاً برای بیان ایده ها و دیدگاه ها عمل می کند ، تفسیر شود. برخی از طراحان مد مشهور بین المللی تحت تأثیر این امر مجموعه های برجسته ای را بر اساس حرکات هنری قرن بیستم ایجاد کرده اند.

1. مادلین ویون

مادل مادلن ویون در 1876 در شمال مرکزی فرانسه متولد شد و به عنوان "الهه سبک و ملکه خیاطی" شناخته می شد. در طول اقامت خود در رم ، او مجذوب هنر و فرهنگ تمدن یونان و روم شد و از الهه ها و مجسمه های باستانی الهام گرفت. بر اساس این آثار هنری ، او زیبایی شناسی سبک خود را شکل داد و عناصر مجسمه سازی و معماری یونانی را با هم ترکیب کرد تا بعد جدیدی به بدن زن بدهد. مادلین با مهارت خود در پوشاندن و کج کردن لباس ها ، انقلابی در مد روز ایجاد کرد. او اغلب برای مجموعه های هنری خود از آثار هنری مانند پیروزی بالدار ساموتراسی مشورت می کرد.

شباهت های بین شاهکار هنر هلنیستی و موز ویون قابل توجه است. پارچه عمیق پارچه به سبک کیتون یونانی رگه های عمودی نوری را ایجاد می کند که به سمت پایین شکل جاری است. این مجسمه به منظور ادای احترام به نایک ، الهه پیروزی یونان ساخته شده است و به دلیل تصویر واقع گرایانه حرکت تحسین می شود. پرده روان طرح Vionnet یادآور حرکت پارچه ای منسجم است که به بدن نایک چسبیده است. لباس ها می توانند مانند موجودات زنده با روح ، مانند بدن باشند. مانند پیروزی بالدار ساموتراسی ، مادلین لباس هایی را خلق کرد که جوهر انسان را که در اعماق وجود پنهان شده است بیدار می کند. کلاسیک گرایی ، هم فلسفه زیبایی شناسی و هم فلسفه طراحی ، به ویون فرصت داد تا دیدگاه خود را در هماهنگی هندسی منتقل کند.

او همچنین شیفته جنبش های هنری معاصر مانند کوبیسم بود. مادلین شروع به ترکیب اشکال هندسی در خلاقیت خود کرد و روش دیگری را برای برش آنها به نام برش مورب در نظر گرفت. البته ، Vionne هرگز ادعا نکرد که برش مورب را اختراع کرده است ، بلکه فقط استفاده از آن را گسترش داده است. با پیشرفت زنان در مبارزه برای حقوق خود در اوایل قرن بیستم ، مادلین با حذف کرست طولانی مدت ویکتوریا از لباس روزمره زنان ، از آزادی خود دفاع کرد. بنابراین ، او به نمادی از آزادی زنان از محدودیت سینه تبدیل شد و در عوض پارچه های جدید و سبک تری را که به معنای واقعی کلمه بر بدن زنان جریان داشت ، آزاد کرد.

2. پیرپائولو پیچیولی

پیرپائولو پیچیولی طراح ارشد والنتینو است و بسیار جذب آثار مذهبی قرون وسطی می شود. نقطه شروع الهام برای او لحظه گذار از قرون وسطی به رنسانس شمالی است. او با زاندرا رودز همکاری کرد و با هم در بهار 2017 یک مجموعه الهام بخش ایجاد کردند. پیچیولی می خواست فرهنگ پانک در اواخر دهه 70 را با اومانیسم و هنر قرون وسطایی مرتبط کند ، بنابراین به ریشه های خود و دوران رنسانس بازگشت و از نقاشی هیرونیموس بوش در باغ باغ لذت های زمینی الهام گرفت.

نقاش معروف هلندی یکی از برجسته ترین نمایندگان دوره رنسانس شمالی در قرن 16 بود.در "باغ لذتهای زمینی" ، که بوش قبل از اصلاحات نقاشی کرد ، هنرمند می خواست بهشت و خلقت بشر ، اولین وسوسه آدم و حوا ، و همچنین جهنم را به تصویر بکشد ، پیش بینی گناهکاران. در پنجره وسط ، به نظر می رسد مردم در دنیایی از لذت اشتهای خود را ارضا می کنند. شمایل نگاری بوش به دلیل اصالت و جذابیت خود برجسته است. کل تصویر به عنوان تمثیل گناه تفسیر می شود.

در دنیای مد ، این نقاشی محبوبیت پیدا کرد زیرا طراحان مختلف مد مجذوب انگیزه های آن شدند. پیچیولی با ادغام دوران و زیبایی شناسی ، نمادهای بوش را با لباس های شفاف و درخشان تفسیر کرد ، در حالی که رودز چاپهای عاشقانه و الگوهای گلدوزی شده کمی شبیه به آثار هنری اصلی ایجاد کرد. رنگ ها مطمئناً بخشی از پیامی بودند که طراحان می خواستند منتقل کنند. بنابراین ، مجموعه لباس های رویایی پرواز بر اساس پالت رنگ شمالی تخم مرغ های سبز سیب ، صورتی کم رنگ و آبی است.

3. دولچه و گابانا

پیتر پل روبنز زنان را با عشق ، یادگیری و تلاش ، استادانه نقاشی کرد. او "ناهید در مقابل آینه" خود را به عنوان برترین نماد زیبایی ارائه کرد. پیتر به طور انحصاری چهره روشن و موهای بلوند او را به تصویر می کشد که با خدمتکار تیره پوست تضاد دارد. آینه نماد مطلق زیبایی است که مانند یک پرتره یک زن را قاب می کند و در عین حال برهنگی این شکل را با ظرافت تأکید می کند. آینه ای که کوپید برای الهه نگه می دارد ، بازتاب زهره را به عنوان نمایشی از جذابیت و میل شهوانی نشان می دهد. روبنز ، که یکی از بنیانگذاران هنر باروک بود ، و مفهوم او در مورد "رنگها روی خطوط" بر چندین طراح مد از جمله دولچه و گابانا تأثیر گذاشت. سبک باروک از روح رنسانس خارج شد ، آرامش و ظرافت را کنار گذاشت و در عوض به دنبال ظرافت ، هیجان و حرکت بود.

طراحان مد Domenico Dolce و استفانو Gabbana می خواستند کمپینی ایجاد کنند که جنبه های روانی و زیبایی زنان را جشن بگیرد. پیتر پل روبنس مناسب ترین منبع الهام بود. خلاقیت های دو نفره فرقه با هنر هنرمند فلاندر هماهنگی زیادی داشت. در این مجموعه ، مدلها با اشراف عالی عکس گرفتند ، به نظر می رسید که به تازگی یکی از نقاشی های روبنس را کنار گذاشته اند. طراحی تزئینات شبیه آینه های باروک و جزئیات گلدوزی بود. برازندگی فیگورها و پالت رنگی پاستلی به زیبایی با لباس صورتی تزیینی تأکید شد. انتخاب طراحان مد برای گنجاندن انواع مدل ها بیشتر به تیپ بدنی آن دوران کمک کرد. خطوط منحنی که دولچه و گابانا از آن استفاده می کردند با تبعیض انواع مختلف بدن در صنعت مد مغایرت داشت.

مجموعه زنان پاییز 2012 دولچه و گابانا بسیاری از ویژگی های معماری باروک ایتالیایی را به نمایش می گذارد. این مجموعه کاملا با ویژگی های تزئین شده از سبک باروک سیسیلی مطابقت دارد. همانطور که در کلیساهای کاتولیک سیسیل مشاهده شد ، طراحان بر معماری باروک تمرکز کردند. نقطه مرجع نقاشی روبنس "پرتره آنا اتریشی" بود. در پرتره سلطنتی خود ، آنا اتریشی به سبک اسپانیایی به تصویر کشیده شده است. لباس مشکی آنا با نوارهای عمودی گلدوزی سبز و جزئیات طلا تزئین شده است. لباس های زیبا و شنل های ساخته شده از پارچه های مجلل مانند توری و براکت به ویژگی اصلی نمایش دولچه و گابانا تبدیل شده اند که با خلاقیت خود جهان را فتح کردند.

4. کریستوبال بالنسیاگا

کریستوبال بالنسیاگا را می توان یک استاد واقعی نامید که مد زنان را در قرن بیستم اصلاح کرد. او که در یک روستای کوچک در اسپانیا متولد شد ، جوهر تاریخ هنر اسپانیا را در پروژه های معاصر خود آورد. در طول دوران حرفه ای خود ، بالنسیاگا تحت تأثیر رنسانس اسپانیا قرار گرفت.او اغلب از خانواده سلطنتی اسپانیا و اعضای روحانیت الهام می گرفت. طراح مد وسایل کلیسا و لباسهای رهبانی آن دوران را به شاهکارهای مد پوشیدنی تبدیل کرد.

یکی از الهامات بزرگ او ، ال گرکو خوش اخلاق ، معروف به دومینیکوس تئوتوکوپولوس بود. با نگاهی به کاردینال El Greco Fernando Niño de Guevara ، می توانید شباهت هایی بین شنل کاردینال و طراحی بالنسیاگا مشاهده کنید. این نقاشی کاردینال اسپانیایی فرناندو نینو دو گوارا زمان ال گرکو در تولدو را به تصویر می کشد. ایده های ال گرکو از نئوپلاطونیسم رنسانس ایتالیا وام گرفته شد و در این پرتره او کاردینال را به عنوان نمادی از لطف خدا ارائه می دهد. شیوه رفتار در کل تصویر وجود دارد. این در یک شکل کشیده با سر کوچک ، اندامهای زیبا ، اما عجیب ، رنگهای شدید و رد اندازه ها و تناسبات کلاسیک قابل توجه است.

اشتیاق بالنسیاگا به لباس های تاریخی در این کت شلواری شبانه از مجموعه 1954 او مشهود است. او بینش و توانایی اختراع اشکال در مد مدرن را داشت. یقه اغراق آمیز این کت ، طنین سبک کیپ یک کاردینال را تکرار می کند. رنگ قرمز لباس کاردینال نماد خون و تمایل او برای مرگ برای ایمان است. قرمز پر جنب و جوش از نظر طراح معروف فوق العاده بود ، زیرا او اغلب از ترکیب رنگ های جسورانه و رنگ های پر جنب و جوش استفاده می کرد. نوآوری بزرگ او حذف خط کمر و معرفی خطوط روان ، برش های ساده و آستین های سه چهارم بود. با این کار ، Balenciaga انقلابی در مد زنان ایجاد کرد.

طراح همچنین آستین هایی با طول دستبند معرفی کرد که به زنان اجازه می داد جواهرات خود را به نمایش بگذارند. در دهه 1960 ، با ورود تدریجی زنان به صنعت کار ، بالنسیاگا ایده ای برای ایجاد راحتی ، آزادی و عملکرد به زنانی که لباس می پوشید ، داشت. او لباس های گشاد و راحت را تبلیغ می کرد که در تضاد با شبح های مناسب روز بود.

5. الکساندر مک کوئین

گوستاو کلیمت ، هنرمند اتریشی ، استاد نمادگرایی و بنیانگذار جنبش جدایی وین ، پایه و اساس تاریخ هنر قرن بیستم را بنا نهاد. نقاشی ها و زیبایی هنری او مدتهاست که از طراحان مد الهام گرفته است. دیگران مانند Aquilano Rimondi ، L'Rene Scott و Christian Dior ، طراح که مستقیماً به کلیمت اشاره می کرد ، الکساندر مک کوئین بود. در مجموعه اقامتگاه بهار / تابستان 2013 ، او قطعات بی نظیری را طراحی کرده است که به نظر می رسد از آثار این هنرمند الهام گرفته شده است. نگاه کردن به یک لباس مشکی با طرح طلای تکراری در بالا - یک تصویر خاص می تواند به ذهن شما برسد. مک کوئین از طرحهای انتزاعی ، هندسی و موزاییک با رنگهای برنز و طلا استفاده کرده و آنها را در طرحهای خود گنجانده است.

در سال 1905 ، گوستاو کلیمت نقاشی "آغوش" را نقاشی کرد ، زوجی را نشان می داد که در آغوش ملایم گرفتار شده بودند و نمادی از عشق شد. این هنرمند اتریشی به خاطر نقاشی های طلایی خود و همچنین ترکیب کاملی از انتزاع و رنگ موجود در این آثار شناخته شده است. همه موزاییک ها دارای رنگ های طلایی غنی با تزئینات کلیدوسکوپی یا طبیعی هستند که تأثیر زیادی بر مد داشته اند. این نقاشی به دلیل متضاد بودن اشکال هندسی بین لباس دو عاشق ، چشمگیر است. لباس مردان شامل مربع های مشکی ، سفید و خاکستری است ، در حالی که لباس زنانه با دایره های بیضی شکل و نقوش گل تزئین شده است. بنابراین ، کلیمت به طرز ماهرانه ای تفاوت بین مردانگی و زنانگی را نشان می دهد. اسکندر چیزی مشابه برای لباس های خود اتخاذ کرد.

6. کریستین دیور

کلود مونه ، بنیانگذار امپرسیونیسم و یکی از بزرگترین نقاشان فرانسوی در تاریخ هنر ، میراث هنری بزرگی را پشت سر گذاشت. مونه با استفاده از خانه و باغ خود در Giverny برای الهام گرفتن ، چشم انداز طبیعی را در نقاشی های خود ثبت کرده است.به طور خاص ، در نقاشی "باغ هنرمند در گیورنی" او موفق شد چشم انداز طبیعی را مطابق با نیازهای خود دستکاری کند. تضاد مسیر خاکستری قهوه ای در برابر رنگ پر جنب و جوش گلها ، صحنه را تکمیل می کند. امپرسیونیست مشهور اغلب گل عنبیه را به دلیل رنگ ارغوانی آن برای ایجاد جلوه آفتاب روشن انتخاب می کرد. این نقاشی سرشار از زندگی است در حالی که گل ها شکوفا می شوند و سلام می کنند و بهار را در آغوش می گیرند. گلبرگهای رز و یاس بنفش ، زنبق و یاس بخشی از بهشتی رنگارنگ است که روی بوم سفید به تصویر کشیده شده است.

در همین راستا ، کریستین دیور ، یکی از پیشگامان مد فرانسوی ، علامت بزرگی را در دنیای مد برجای گذاشت که امروزه نیز احساس می شود. در سال 1949 ، او یک مجموعه زیبا را برای فصل بهار / تابستان طراحی کرد. یکی از نکات برجسته این نمایشگاه لباس نمادین دیور بود که کاملاً با گلبرگ گل در سایه های مختلف صورتی و بنفش دوزی شده بود. دیور دو دنیای هنر و مد را کاملاً نشان داد و از زیبایی مونه در این لباس کاربردی تقلید کرد. او زمان زیادی را در حومه شهر گذراند و مجموعه های خود را در باغ خود در گرانویل نقاشی کرد ، مانند مونه. بنابراین ، او سبک دیور زیبا را با ترکیب پالت رنگی مونه و الگوهای گل در خلاقیت خود تعریف کرد.

7. ایو سنت لوران

موندریان یکی از اولین هنرمندانی بود که در قرن بیستم هنر انتزاعی خلق کرد. او در هلند در سال 1872 متولد شد و یک جنبش هنری کامل به نام De Stijl تاسیس کرد. هدف جنبش اتحاد هنر و زندگی معاصر بود. این سبک ، که به نئوپلاستیسم نیز معروف است ، نوعی هنر انتزاعی بود که در آن استفاده از اصول هندسی و رنگهای اصلی مانند قرمز ، آبی و زرد با رنگهای خنثی (سیاه ، خاکستری و سفید) ترکیب شده بود. سبک ابتکاری پیت در اوایل دهه 1900 طراحان مد را مجبور کرد تا این نوع ناب هنر انتزاعی را بازتولید کنند. بهترین نمونه از این سبک نقاشی ، ترکیب با رنگ های قرمز ، آبی و زرد است.

ایو سنت لورن ، طراح مد فرانسوی ، که عاشق هنر بود ، نقاشی های موندریان را در خلاقیت های زیبای خود قرار داد. او ابتدا با خواندن کتابی در مورد زندگی این هنرمند که مادرش برای کریسمس به او هدیه داده بود از کارهای پیت الهام گرفت.طراح در مجموعه پاییزی خود در سال 1965 که به مجموعه موندریان معروف است از هنرمند قدردانی کرد. او با الهام از خطوط هندسی و رنگ های جسورانه هنرمند ، شش لباس کوکتل ارائه کرد که سبک نمادین او و دوران شصت را به طور کلی جشن می گرفت. هر یک از لباس های موندریان کمی متفاوت بود ، اما همه آنها دارای یک خط ساده A و طول زانو بدون آستین بودند که برای هر تیپ بدنی مناسب بود.

8. السا اسکیاپرلی

السا اسکیاپرلی ، متولد 1890 در خانواده ای اشرافی در رم ، به زودی عشق خود را به دنیای مد ابراز کرد. او با الهام از آینده نگری ، دادا و سوررئالیسم شروع به توسعه سبک انقلابی خود کرد. با پیشرفت حرفه ای او ، او با سورئالیست های معروف و دادائیست هایی مانند سالوادور دالی ، من ری ، مارسل دوشان و ژان کوکتو ارتباط برقرار کرد. او حتی با هنرمند اسپانیایی سالوادور دالی همکاری کرد.

یکی از بزرگترین همکاری ها در تاریخ مد ، همکاری دالی و السا اسکیاپرلی بود. این لباس با سالوادور دالی به عنوان بخشی از مجموعه سیرک Schiaparelli در تابستان 1938 ایجاد شد. این لباس به نقاشی دالی اشاره می کند ، که در آن او زنان را با تناسب بدن مخدوش به تصویر کشیده است.

برای هنرمندان سوررئالیست ، جستجوی زن ایده آل محکوم به شکست بود ، زیرا ایده آل فقط در تخیل آنها وجود داشت ، نه در واقعیت. با این حال ، قصد دالی این نبود که زنان را واقع بینانه نشان دهد ، بنابراین بدن آنها به هیچ وجه زیبایی شناختی ندارد. اسکیاپارلی می خواست با این بازی پنهان و آشکار کردن بدن آزمایش کند و توهم آسیب پذیری و ناامنی را ایجاد کند. این لباس با توهم اشک از کرپ ابریشم آبی کم رنگ ساخته شده بود و از سالوادور و زنان نامتناسب او قدردانی می کرد.

9. جیانی ورساچه

دوران هنر پاپ احتمالاً تأثیرگذارترین دوره برای طراحان مد و هنرمندان در تاریخ هنر بود. اندی وارهول در ترکیب فرهنگ پاپ و مد روز پیشگام بود و او را به نمادی نمادین از جنبش هنر پاپ تبدیل کرد. در دهه شصت ، وارهول شروع به تمرین تکنیک امضای خود کرد که به عنوان چاپ روی صفحه نمایش ابریشم شناخته می شود.

یکی از اولین و بدون شک مشهورترین آثار او مرلین دیپتیک بود. برای این قطعه ، او نه تنها از فرهنگ پاپ ، بلکه از تاریخ هنر و هنرمندان انتزاعی اکسپرسیونیسم نیز الهام گرفت. اندی دو دنیای مرلین مونرو ، زندگی اجتماعی یک ستاره هالیوود و واقعیت غم انگیز نورما جین ، زنی که با افسردگی و اعتیاد دست و پنجه نرم می کرد را به تصویر کشید. دیپتیک ارتعاش در سمت چپ را تشدید می کند ، در حالی که در سمت راست در تاریکی و تاریکی ناپدید می شود. وی در تلاش برای نمایندگی از جامعه مصرف کننده و ماتریالیسم ، افراد را بیشتر به عنوان محصولات به جای مردم به تصویر کشید.

جیانی ورساچه طراح ایتالیایی با اندی وارهول دوستی دیرینه داشت. هر دو مرد شیفته فرهنگ عامه بودند. ورساچه برای بزرگداشت وارهول ، مجموعه بهار / تابستان 1991 خود را به او اختصاص داد. یکی از لباس ها دارای چاپ های وارهول با مرلین مونرو بود. او پرتره های ابریشمی پر جنب و جوش مریلین و جیمز دین را از دهه 1960 در دامن و لباس های ماکسی گنجانید.

و در ادامه موضوع مد ، زیبایی و ایده های خارق العاده ، نحوه مطالعه را نیز بخوانید هنرمندان مدرن گریم را به یک اثر هنری واقعی تبدیل کرده اند.